Przedstawiamy pierwsze wydanie naszego „przewodnika artystycznego” dla dzieci:

jeśli chcesz, aby Twoje dziecko było doświadczone w sferze kulturalnej – sugerujemy zacząć od małego.

Artykuł został przygotowany przez warsztaty rysunku Artakademia

Świetny z historii sztuki i egzaminu maturalnego

Dzieci często widzą te obrazy i sugerujemy, aby dowiedzieć się więcej o popularnych źródłach „memów”. Arcydzieła ułożone są w porządku chronologicznym, o każdym obrazie informujemy po jednym ciekawym fakcie. Ciąg dalszy nastąpi: nowe wydania rubryki przygotujemy razem z Tobą.

1. Jan van Eyck, „Portret czety Arnolfiniego” (1434))

Portret czety Arnolfiniego

Jan van Eyck

Jest to jeden z najbardziej tajemniczych obrazów w świecie malarstwa. Uważa się, że obraz przedstawia włoskiego kupca Giovanniego di Nicolao Arnolfiniego i jego żonę w ich domu w Brugii. A potem zaczynają się zagadki. Dlaczego małżonkowie są rozebrani (ich zdjęte buty są obecne na płótnie)?

Dlaczego nad mężczyzną płonie świeca w żyrandolu, tylkonie nad kobietą? Czyżby tak artysta tłumaczy, że do czasu ukończenia obrazu żony Arnolfiniego nie było już na świecie, a ten obraz został zamówiony na pamiątkę? I zwróć uwagę na lustro. Tam widzimy nie tylko odbicie małżonków. +

Jakie kształty? Świadkowie? „Wygląda na to, że jednym z nich jest sam malarz, sądząc po eleganckim napisie między lustrem a żyrandolem: „Johannes van eyck fuit hic” lub „Jan van Eyck był tutaj”. I to nie wszystkie tajemnice kultowego płótna – historycy sztuki raczej nie osiągną konsensusu na temat tej pracy w najbliższym czasie.

Portret czety Arnolfiniego (fragment)

Jan van Eyck 1434

2. Sandro Botticelli, „Narodziny Wenus” (1482-1486)

Narodziny Wenus

Sandro Botticelli

Urodzona z morskiej piany antyczna bogini miłości – Wenus – przybywa na Kretę. Botticelli namalował obraz oparty na micie, a z czasem jego twórczość przerodziła się w mity. Tak więc w niektórych dokumentach historycznych zaznacza się, jak 7 lutego 1497 dominikański mnich Girolamo Savonarola spodwig chrześcijan we Florencji rozpalić ogromne ognisko, aby zniszczyć „bibeloty”, które nie przyczyniają się do umocnienia wiary chrześcijańskiej.Podobno Sandro Botticelli był jednym z uczestników ceremonii (zwolenników idei mnicha jego współcześni nazywali „beksami”) i jakby osobiście wrzucił do ognia kilka swoich płócien na tematy mitologiczne. Płomień ogniska jednak oszczędził „Narodziny Wenus”.

3. Leonardo Da Vinci, „Ostatnia Wieczerza” (1495-1498)

 

Ostatnia Wieczerza

Leonardo da Vinci

Artyście zlecili stworzenie fresku w katedrze, ale adorujący eksperymenty Da Vinci wolał pójść inną drogą. Nie malował na mokrym tynku, jak wymagała technika tworzenia fresków, ale wymyślił swoją metodę, pokrywając kamienną ścianę warstwą żywicy, gipsu i mastyksu.Niestety eksperyment okazał się nieudany.

W rezultacie historia religijna – rozmowa Chrystusa z uczniami w przeddzień ukrzyżowania – z czasem stała się prawdziwą plagą dla konserwatorów. Dzisiaj dzieło Leonarda da Vinci zawiera około 20 procent oryginału.

4. Michelangelo Buonarroti, „Stworzenie Adama” (1511-1512)

Stworzenie Adama

Michelangelo Buonarroti

Akcja na fresku zamarła na sekundę przed rozpoczęciem historii biblijnej – stworzenie człowieka przez Najwyższego. Biblia mówi, że Bóg „wydmuchał w jego twarzy oddech życia i stał się człowiek żywą duszą”(Księga Rodzaju 2:7). Michelangelo jednak, jak twierdzą naukowcy, miał własną wizję: na jego fresku widzimy stworzenie nie tylko człowieka, ale homo sapiens („człowieka mądrego”).W końcu Adam jest już wyraźnie zdolny do oddychania i poruszania się, ale wciąż jest niedokończonym stworzeniem. Czego mu brakuje? Profesor Uniwersytetu Temple w USA, Marsha Hall, odpowiada na to pytanie: „z punktu widzenia włoskiego Renesansu, obdarzenie człowieka zdolnością myślenia oznaczało stworzenie na obraz i podobieństwo Boga”.Niektórzy badacze uważają, że tutaj Michelangelo przedstawił Stwórcę jako źródło umysłu dosłownie: w postaci mózgu. Spójrz na to „w towarzystwie” otaczających obiektów – wszystko razem naprawdę wygląda jak anatomiczny obraz zawartości naszej czaszki!

5. Rafael Santi, „Madonna Sykstyńska” (1513)

Madonna Sykstyńska

Rafael Santi

Na płótnie Rafael przedstawił objawienie Najświętszej Maryi Panny z Dzieciątkiem Chrystusem na rękach Świętemu Sykstusowi. Obraz zostałzamówiony przez papieża Juliusza II. Malarz narysowałna płótnie wiele szczegółów ważnych dla własnego światopoglądu.Rafael był gnostykiem: stronnicy tego nurtu religijnego wierzyli, że posiadają szczególną wiedzę o Bogu i o urządzeniu świata. W szczególności bardzo docenili liczbę „sześć”. Naukowcy zauważają znaczenie tej liczby dla obrazu. Jej kompozycja składa się z sześciu figur, a na prawej ręce św. Sykstusa jest jak sześć palców (choć jeśli przyjrzysz się uważnie, to „szósty palec” to raczej wewnętrzna strona dłoni).

6. Pieter Bruegel starszy, „Myśliwi na śniegu” (1565)

Myśliwi na śniegu. Cykl „Pory roku”, styczeń

Pieter Bruegel Starszy

Z tym, oczywiście, wspaniałym obrazem wiąże się również historia finansowa. Ówczesny biznesmen Jongelink, który uhonorował sztukę Bruegla, zamówił artyście cykl sześciu obrazów przedstawiających Pory roku („Myśliwi na śniegu” to jeden z nich).

Bruegel nie ukończył jeszcze pracy, a Jongelink zaczął mieć trudności finansowe. Przedsiębiorca położył jeszcze nienarysowane obrazy mistrza – a dokładniej dokument potwierdzający prawa do nich, aby pożyczyć pieniądze ze skarbu miasta. W rezultacie tuż po narysowaniu dzieła Bruegla trafiły do skarbca skarbu państwa. Sam artysta już ich nie widział.

7. Rembrandt Harmenszoon van Rijn „ Strażnocna”(1642)

Nocna straż, czyli przemówienie Kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga cocka i porucznika Willema van Reitenburga

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

 „Nocna straż, czyli przemówienie Kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Reitenburga” – taka jest pełna nazwa obrazu. I jest jedną z najbardziej cierpliwych w historii sztuki. Po pierwsze, warstwa sadzy zmieniła pierwotny kolor „Nocnej Straży”: scena odbywa się w dzień, tak że jej „ciemna nazwa” została otrzymana przez nieporozumienie. Po drugie, płótno zostało przycięte poziomo i pionowo. Po trzecie, cierpiał na nieudolne renowacje, a w 1990 roku chory psychicznie gość Rijksmuseum spryskał obraz kwasem. Jednocześnie „Nocna straż” pozostaje arcydziełem, a nawet celem pielgrzymek.

8. Diego Velázquez, „Meniny” (1656)

Meniny

Diego Velázquez

 „Dwórka”– tak tłumaczy się tytuł obrazu Velazqueza. Na płótnie przedstawiającym moment namalowania portretu pary królewskiej (małżonki monarsze są wyświetlane w lustrze w tle) i codzienne życie infantki Małgorzaty i jej dwórek, Velazquez uchwycił siebie z paletą w dłoniach. Na piersi artysty widać Order Świątego Jago – najwyższe odznaczenie państwowe Hiszpanii tamtych czasów. Artysta został uhonorowany Orderem pod koniec życia. Z rozkazu króla Filipa IV inny malarz dorysował nagrodę na piersi Velázqueza na „Meninach”.

9. Jan Vermeer, „Dziewczyna z perłą” (1665)

Dziewczyna z perłą

Jan Vermeer

Holenderski malarz Jan Vermeer nie nadał nazw swoim obrazom. Obraz „Dziewczyna z perłą” został nazwany znacznie później i natychmiast zaczęły się kontrowersje, czy biżuteria może być uważana za perłę? Większość badaczy skłania się ku temu, że w uchu modelki znajduje się kolczyk ze szkła weneckiego, a sam portret jest bardziej wytworem wyobraźni malarza.

10. Karl Briułłow, „Ostatni dzień Pompei” (1830)

Ostatni dzień Pompei

Karl Pawłowicz Briułłow

Briułłownarysował „Ostatni dzień Pompei” w ciągu zaledwie 11 miesięcy, ale przygotowanie do pracy (szkice, zarysy) zajęło całe sześć lat. Jednocześnie majestatyczne i przerażające płótno, opowiadające o śmierci miasta Pompeje z erupcji wulkanu Wezuwiusz, zachowuje w sobie portret samego artysty. W lewej części obrazu, pod pudełkiem z pędzlami i farbami, Briułłownarysował siebie.

11. Katsushika Hokusai, „Wielka Fala w Kanagawie” (1832)

Wielka Fala w Kanagawie

Katsushika Hokusai

Drzeworyt japońskiego artysty Katsushiki Hokusaja jest pierwszym dziełem z serii „Trzydzieści sześć gatunków Fuji”. Góra Fuji jest widoczna w oddali i jest tłem do głównej akcji na obrazie. Praca wykonana jest w stylu ukiyo-e i jest uważana za najbardziej znanym i popularnym dziełem japońskiej sztuki poza samą Japonią.

12. James Whistler, „Kompozycja w szarości i czerni nr 1. Portret matki artysty” (1871)

Kompozycja w szarości i czerni nr 1. Portretmatkiartysty

James Abbott MacNeill Whistler

Jeden z najbardziej znanych i cytowanych portretów na świecie. Tymczasem krytycy w Wielkiej Brytanii, dokąd z rodzinnego Massachusetts przeprowadził się Amerykanin Whistler, początkowo chłodno przyjęli nową pracę artysty. Później jednak we Francji witano ją owacjami na stojąco. A w USA w 1938 roku ustawiono 2,5-metrowy posąg z brązu na cześć Anny Whistler – matki artysty, narysowanej na portrecie.

13. Claude Monet, „Wrażenie. Wschód słońce” (1872)

Wrażenie. Wschód słońca

Claude Monet

Twórca listy obrazów Claude Monet skarżył się, że artysta nadaje swoim dziełom zbyt monotonne tytuły. Monet pomyślał i ten obraz nazwał „l’impression” („Wrażenie” – w tłumaczeniu z francuskiego). Później obraz ten nadał nazwę całemu zjawisku w malarstwie światowym – impresjonizmowi. To prawda, że na początku słowo „impresjonista” miało na celu obrazić malarzy. W Paryżu 25 kwietnia 1874 została wydana gazeta „Charivari”, w której krytyk Louis Leroy nazwał młodych artystów „impresjonistami”, chcąc podkreślić, że oni nie potrafią rysować.

14. Pierre Auguste Renoir, „Śniadanie wioślarzy” (1881)

Śniadanie wioślarzy

Pierre Auguste Renoir

Restauracja „Maison Fournaise”, której taras narysował Renoir, była ulubionym miejscem spotkań młodych artystów i pisarzy tamtych czasów. W „Śniadanie wioślarzy” malarz narysował swoich przyjaciół i znajomych: dziewczyna bawiąca się z psem to Aline Sharigo, przyszła żona artysty; kolekcjoner Gustave Caybott w słomkowym kapeluszu pali siedząc na krześle; aktorka i modelka Jeanne Samari koryguje kapelusz i rozmawia z historykiem sztuki Charlesem Efrussie.

Dziś restauracja „Maison Fournaise” wygląda dokładnie tak, jak za czasów artysty, a taras nazywa się na jego cześć – „Renoir”.

15. Vincent Van Gogh, „Gwiaździsta noc” (1889)

Gwiaździsta noc

Vincent Van Gogh

Jeden z najbardziej popularnych obrazów na świecie. Płótno jest narysowane w charakterystyczny dla Van Gogha sposób: grube długie pociągnięcia pędzla są starannie nałożone obok siebie. Soczyste niebieskie i żółte kolory sprawiają, że płótno jest szczególnie przyjemne do postrzegania.

Jednak sam artysta uważał swoją pracę za nieudaną. Kiedy obraz trafił na wystawę, artysta odezwał się niedbale: „Może pokaże innym, jak narysować nocne efekty lepiej niż ja”.

16. Edward Munch, „Krzyk” (1893 )

Krzyk

Edward Munch

Wariantów tego obrazu jest kilka: Edward Munch powtarzał fabułę „Krzyku” co najmniej cztery razy. Dlatego słynny „Krzyk” jest obecnie eksponowany nie tylko w dwóch muzeach w Oslo, ale także trafił do prywatnego kolekcjonera. 2 maja 2012 za 119 mln 922 tys. 500 dolarów dumnym posiadaczem pastelowej kopii autorskiej „Krzyku” został amerykański biznesmen Leon David.

17. Gustav Klimt, „Pocałunek” (1907-1908))

 

Pocałunek

Gustav Klimt

Niektórzy krytycy sztuki twierdzą, że na płótnie austriacki artysta narysował siebie i swoją ukochaną – Emilię Flege, z którą Klimt miał trudny związek. Są jednak też inne opinie, inne historie. Według jednej z wersji obraz zamówił mu pewien hrabia. Dał artyście medalion z wizerunkiem swojej ukochanej i poprosił o narysowaniu ich razem. Ale podczas pracy nad obrazem Klimt niespodziewanie zakochał się w dziewczynie z medalionu. Dlatego zamiast hrabiego narysował siebie obok niej, ukrywając twarz.

18. Kazimierz Malewicz, „Czarny kwadrat” (1915)

Czarny kwadrat suprematyczny

Kazimierz Sewerynowicz Malewicz

1915

Jedno z najbardziej skandalicznych dzieł w historii Sztuk Pięknych. Niektórzy uważają, że podczasrysowania „Czarnego kwadratu” historia sztuki – Sztuk Pięknych w tradycyjnym znaczeniu – się skończyła.

Według samego Malewicza, tworząc swój „kwadrat” w 1915 roku, przeżył szczególne doświadczenie. Artysta nagrał swoje wrażenia: „Ścigały się miliony smug. Pogarszał się wzrok i nie mógł dotknąć promieni miejsca. Przestałem widzieć. Oko zgasło w nowych przebłyskach”.

W każdym razie jest to „Czarny kwadrat”, który wielu uważa za punkt wyjścia do powstania Nowej sztuki.

19. Salvador Dali, „Trwałość pamięci” (1931)

Trwałość pamięci

Salvador Dali

Salvador Dali opowiadał historię powstania obrazu: „Tarcze narysowałem w dwie godziny. Gala (małżonka artysty – ok. aut.) poszła do kina z przyjaciółmi. Będąc sam, rozważałem pokój. I zwrócił uwagę na ser camembert, który ostatnio jadłem z Galą. Ser powoli topił się w słońcu”.

Dali poszedł do swojejpracowni, gdzie na płótnie malował już krajobraz okolic Port Ligat. Artysta dodał brakujące. Do czasu powrotu żony obraz był już gotowy. Czy artysta zjadł roztopiony ser? Nic o tym nie wiadomo.

20. Pablo Picasso, „Guernica” (1937)

Guernica

Pablo Picasso

To obraz o okropnościach wojny. Zawsze deklarujący swoją apolityczność Pablo Picasso nie mógł nie odpowiedzieć na bombardowania miasta Guernica w 1937 roku. Dwugodzinny atak przeprowadzony przez nazistów pochłonął setki osób. Zginęły głównie kobiety i dzieci. Pomimo okropności, którąinspiruje obraz swoją szaro-brązową gamą, pozostaje nadzieja. Uosabia ją zapalona lampa pod kloszem. Picasso powiedział kiedyś, że „światło na obrazie jest światem, do którego zawsze będzie dążyć każda żywa istota”.

Oczywiście, wszystkie godne arcydzieła nie odnieść dow dwudziestki. Dlatego prosimy Was, drodzy czytelnicy, o wskazanie tych obrazów, które zasługują na tytuł „Najbardziej-najbardziej” (reprezentujemy i oddzielny post na Facebooku, gdzie można i trzeba zostawiać komentarze).

Bierzemy pod uwagę życzenia i tworzymy następny „przewodnik artystyczny” dla dzieci, aby rodzice mieli wszystko pod ręką, aby dołączyć dziecko do świata pięknej i niesamowitej sztuki. Nawiasem mówiąc, w redakcji toczą się już spory o „kandydatów”dlaprzyszłych wydań. Spoiler, z dialogów w redakcji: Będzie „Ofelia”czy nie? Smutna historia i z modelką też, ale dzieci czytają dziwne bajki i oglądają Horrory!”